ARTE DIGITAL DE FERNANDO ANDRADE CANCINO: MARZO 2011: http//md22artemultidisciplina.blogspot.com/

NEURONAS AL SUR I y II

ARTE REACCIONARIO

Del trabajo y la ociosidad

Avelina Lésper

El arte deja de ser para conformar una visión evolutiva de las sensaciones estéticas del individuo, se convierte en un consumo que se debe satisfacer como la ropa o los coches, y entre más extravagante y más caro más encumbra socialmente al comprador.

El trabajo es el gran valor del arte y de las sociedades que buscan la valoración de los individuos por sus méritos. La Revolución Francesa fue el primer movimiento social que estableció que los nobles no tenían virtudes por encima de los ciudadanos y que tampoco tenían privilegios superiores. Estas virtudes, como lo es la gracia cristiana, eran dadas por dios. La guillotina demostró con filosa certeza la falsedad de estas ideas. El arte y el trabajo son intrínsecos, el artista hace. Sus obras son resultado de aprendizaje, largas meditaciones, bocetos, ideas que corrigen o tiran, que llevan a una cadena de búsqueda y pruebas que desemboca en una obra, que al final puede ser fallida o exitosa. Esto es, trabajo. Miguel Ángel les decía a sus asistentes como único consejo estético: Laborare, laborare.

Llegó el arte contemporáneo y sus artistas son la nueva tiranía moderna que no trabaja y cuyo estatus de artista es un designio divino, metafísico. Ellos sólo piensan, son como la corte de María Antonieta que vivía en la ociosidad porque eran privilegiados y el trabajo resultaba una bajeza. No tenían que aprender nada, no tenían que saber nada, se jactaban de su ignorancia, de su displicencia, se burlaban de los necios que se empeñaban en buscar el conocimiento, y por eso llegó la revolución sin que supieran bien qué estaba sucediendo. Condenarlos a la guillotina fue una medida de salud pública, como estipuló Robespierre, para impedir que la sociedad siguiera enferma.

Aprender a dibujar es un camino largo, pintar un lienzo es intentar resolver un problema, habitarlo, rasgarlo con el color o la forma; ser artista contemporáneo no es el resultado de una formación, pues se materializa por decreto, como la nobleza, como las dictaduras, porque pueden hacerlo. Como diría el Marqués de Sade, el abuso del poder es la forma de demostrar quién manda y de ejercer la capacidad sobre los demás. El arte es lo que un grupo decida, una imposición que debe acatar el resto que se queda fuera de su círculo. El artista, privilegiado, ocioso y arrogante, tiene el apoyo institucional y del mercado para ejercer el poder, sin la sucia intromisión de la actitud crítica de los que observan. Para los dictadores y para los nobles, la crítica que no es su cómplice, es su enemiga. La crítica de arte se somete al sistema de producción como al partido en el poder: aceptando y divulgando el discurso oficial. Por gracia de su situación de artistas, como los nobles absolutistas, sus enfermedades o vicios, su inclinación por la vulgaridad, el enaltecimiento del racismo o la violencia, la denigración del erotismo y la sexualidad, hasta las ocurrencias elementales y sin inteligencia, resultan ejemplares y admirables. Este artista no toca la obra, no la realiza, toma lo que sea y lo convierte en pieza de museo, manda hacer sus obras a otros que llama “artesanos”. Si se involucra en la factura dictamina que sus decisiones son correctas, que el resultado siempre es arte y que no está sujeto a una jerarquía de valores que cuestionen el contenido, el resultado de la obra o la calidad. La obra valida al artista como tal en la medida que menosprecie el mérito del trabajo. El trabajo es denigrado, las clases inferiores trabajan, el artista que hace es inferior al que piensa. Reduce el trabajo a una actividad que no implica proceso intelectual. El desprecio no sólo abarca a los artistas verdaderos, es una ofensa a la sociedad trabajadora en general. El artista es un absolutista incuestionable. Eso es comprensible, los cuestionamientos derrumban dictaduras y llevan nobles al exilio o la guillotina.

De la banalidad de las ideas

La forma más efectiva para distraer de los problemas más serios es abordarlos con banalidad y frivolidad. Reducirlos a su mínima expresión. El arte contemporáneo es un predicador de soluciones para cambiar al mundo. Soluciones infantiles, superficiales, que hacen que el problema se vea casi inexistente. Por eso el poder convive con gran comodidad con estas obras. Sus trasgresiones son berrinches adolescentes, la visión de mundo es simplista. Si algo como el narcotráfico se ha reducido a parafernalia costumbrista, si la desigualdad social brutal y cruel que tenemos son paredes cubiertas de pan, si el poder y el imperialismo siguen siendo orejas de Mickey Mouse, logos de empresas multinacionales, si la violencia intrafamiliar y machista son platos con palabras escritas y una cerveza en una mesa, pues que mantengan a los artistas porque sus críticas son tan blandas que representan un placebo cómplice y entreguista.

Recortes de periódicos, encabezados de diarios, el discurso del arte tiene un nivel inferior al de un trabajo escolar de secundaria. Esta banalización de los problemas es un síntoma de la poca implicación social que tienen. El arte contemporáneo es, por encima de todo, elitista. Pretender que la sociedad tiene que pagar y aplaudir porque alguien se orine en público o acepte que un bloque de cemento tiene cualidades suprafísicas es arrogancia social y lo que denuncia es su sentimiento de prepotencia ante su condición artificial de artistas. Esta minoría de edad intelectual en la que se asientan los artistas resulta una ventaja para el Estado, porque le da la coartada de que apoya al arte y a sus “nuevas expresiones” —que ya tienen cien años, todas— y mantiene adormecida a la verdadera conciencia colectiva. La injusticia y la violencia en las prisiones son fotos de llaveros y demás pequeñeces personales; es una obra que paga gustoso un banco o un corporativo porque su frivolidad encubre las verdaderas intenciones de evasión de impuestos y posicionamiento social que necesitan para tener más poder. Por eso todas estas obras que se supone que hacen crítica y que son predicadores light de la “realidad social” son patrocinadas sin problemas por los oligarcas, porque nunca son incómodas al sistema. Este arte es la droga más sofisticada que se ha inventado, tiene anestesiada a la sociedad y hace alucinar a sus adictos haciéndoles creer que son artistas. Como en la Guerra del Opio: dales más, hazles creer que lo son para que no piensen. Si algo sostiene al poder es tener ciudadanos que no cuestionen, que vivan en la comodidad del silencio y la ignorancia.

De la manipulación del pensamiento

El gran discurso retórico de este arte es: Si no te gusta es porque no entiendes. Es la superioridad de un grupo sobre la sociedad entera. El aparato burocrático que exige es para una minoría que desecha el parecer de la sociedad ante sus pobres resultados. La sociedad que paga los museos con sus impuestos está marginada de las manifestaciones de estos artistas, porque no está calificada para presenciarlas. Ese arte es antisocial. Para la derecha la voz popular es una pesadilla, porque por elemental matemática los desprotegidos siempre son mayoría, y esto es un espejo que nunca hay que mirar. Los que están fuera de los beneficios del poder somos casi todos, y ésos no deben tener ni voz ni presencia. El sistema del arte contemporáneo es igual, es su poca vocación social, que explota recursos, necesita infraestructuras complicadas, crea obras efímeras que expolian a las instituciones y no crean acervo, lo que menos quieren es que le gente opine sobre sus resultados y lo que hacen. Entonces los descalifica, no tienen ni la preparación ni la inteligencia para exponer su opinión. Todas las obras son válidas, pero ninguna crítica es válida. Elogios, como a los reyes, bendiciones como a los príncipes, dinero como a los bancos. Eso es lo que necesitan.

De la exaltación de la sociedad de consumo

Rich people decided in the beginning

of the year that they had plenty

of money to spend.
—Marc Porter,

presidente de Christie’s America-

El consumismo es la libertad del capitalismo. Tener el poder adquisitivo de consumir, comprar es lo que reivindica a este sistema económico. Comprar es el orgasmo más correcto que se puede tener: sin contacto físico, sin riesgo de contagio de enfermedades y además es recompensado, porque el que compra vale lo que gasta. En la pirámide del capitalismo la pobreza es un crimen y la riqueza es el pináculo de la gloria. Lo que consume una persona es una carta de presentación. El arte contemporáneo ha llevado el consumo a límites que antes nadie hubiera imaginado. El alarde de riqueza que da pagar precios estratosféricos por basura es una de las demostraciones capitalistas de más violencia y agresividad social que existen. En la compra no interviene el gusto o el placer de mirar una obra, interviene el precio, la relación de fatuidad y costo. La demostración burguesa de imponer el mal gusto porque el que decide la moda es quien puede pagarla. Los precios se disparan por cosas que en su valor real y objetivo es de apenas unos dólares, pero lo que lo lleva a cotizarse en millones es la especulación y el capricho. No es una revolución estética. Es una infraestructura comercial en la que se suben los precios para imponer un estatus de valor inexistente. Este arte representa lo que cuesta, lo que alguien estuvo dispuesto a pagar, ese es todo su valor. El Estado invierte como un alarde de su bonanza económica y paga obras que nunca representan acervo, el dinero se va en obras efímeras o invisibles. Hay que comprar más porque de lo expuesto nada queda, creando una cadena de consumo que se evapora pero que demuestra que ese gobierno invierte. Como esto es moda y su sistema de marketing funciona como todo objeto de consumo, los artistas tienen que ser nuevos, en eso estriba la obsesión con la juventud o la novedad. Todas las obras son en esencia iguales, así, por lo menos que la persona sea diferente. Así desfilan artistas que de un año a otro desaparecen de los catálogos y cuya única misión es ofrecer algo un poco más shockeante, más vulgar, lo que sea, porque este sistema los hace desechables. El arte deja de ser para conformar una visión evolutiva de las sensaciones estéticas del individuo, se convierte en un consumo que se debe satisfacer como la ropa o los coches, y entre más extravagante y más caro más encumbra socialmente al comprador. Si pagan por mierda, por qué cosa no serán capaces de pagar

Marcel Duchamp y el decrecimiento

Marcel Duchamp (1887-1968), fue un artista y ajedrecista francés, grabador de profesión. Tenía las cejas rubias, los ojos grises, la nariz mediana, el mentón redondo, el rostro oval y medía 1,68 metros de altura. No solicitaba nada, vivió siempre con presupuesto limitado, carecía de propiedades (fincas, automóviles, etc.), y ni siguiera poseyó una biblioteca personal. Nunca formó una familia en sentido estricto. Cuando se casó en 1954 con Alexina Sattler, ex mujer de Pierre Matisse, era demasiado tarde (eso dijo al menos) para “producir” descendencia biológica.

Viajó mucho, siempre con poco equipaje, y a veces sólo con lo puesto. Toda su existencia estuvo presidida por el ahorro, aunque entendido éste en un sentido opuesto al de la acumulación previsora de la ética burguesa. Consumir y producir lo mínimo posible era para él una manera elegante de preservar su libertad. Duchamp no se dejaba atrapar ni por una mujer en concreto ni por ningún movimiento artístico o literario (aunque transitó por buena parte de las vanguardias del arte de principios de siglo: Dadá, el Cubismo o el Surrealismo, y fue uno de los artistas que más influyó en el arte moderno). No se sabe bien de qué vivió a lo largo de su vida, y ni siquiera él mismo fue capaz de dar al respecto explicaciones satisfactorias. Es obvio que él no tenía un gran interés por los asuntos económicos.

Un personaje así podría ser un modelo existencial, y no solo filosófico o intelectual, de otra corriente de pensamiento que últimamente está de moda: el decrecimiento, que tiene revistas y todo (en Francia e Italia), y que tiene bastantes intelectuales detrás (Serge Latouche, Nicolas Georgescu-Roeger, Karl Dolangi, Baudrillard y una pléyade de intelectuales más, muchos hispanoamericanos).

Constatan que la sociedad contemporánea, arrastrada por el imperio de lo económico y del crecimiento, está hiper acelerada, insaciablemente ávida de noticias y novedades, sometida a una avalancha de información, anuncios, estímulos y distracciones, que aturde la capacidad de atención, inocula el afán de consumir y tener más cada vez con creciente adicción, frustración e infelicidad.

Esas tendencias buscan el sentido de la vida en otros valores y modos de vida ajenos a la acumulación. No se trata de ascetismo, sino de encontrar la alegría de vivir que obviamente el actual sistema no proporciona. Se quiere subir el nivel de vida concebido de otro modo, con iniciativas como “el buen uso de la lentitud” (Pierre Sansot), el “slow food” (Carlo Petrini), “la simplicidad radical” (Jim Merkel), etc.... Se trata de fomentar el placer de vivir y convivir, desarrollarnos en el sentido de dejar de arrollarnos unos a otros, de tener más tiempo libre, crecer en creatividad, y ser ciudadanos responsables con un mundo bello y frágil, en el que todavía se pueda disfrutar de la naturaleza sin estar rodeado de basura.

Antecedentes históricos no faltan, desde que el oráculo de Delfos dijera “de nada demasiado”, la historia nos ha ido recordando filosofías de moderación, como el confucianismo que enseña “tanto el exceso como la carencia son nocivos”, o el clásico taoista Lao Tsi que dice: “Quien sabe contestarse es rico”; también la Biblia nos dice “no me des pobreza ni riqueza” (Proverbios), o la metáfora del camello y el ojo de la aguja cuando el evangelio de Mateo nos habla de los ricos. En fin, hasta Benjamín Franklin escribió que “el dinero nunca hizo feliz a nadie, ni lo hará... Cuanto más tienes más quieres. En vez de llenar un vaso vacío, lo crea...”.

Supongo que siempre ha habido utopías e ilusos, pero el pensamiento ecologista y su crítica están haciendo mella, y los desastres naturales que nos rodean y se aceleran, están poniendo nerviosos a los políticos y a los poderosos, el planeta se calienta, la energía escasea y los recursos naturales desaparecen, mientras cada vez hay más pobres y son menos pacíficos. A algunos no les salen las cuentas, empiezan a pensar, casi seguro que demasiado tarde, que las teorías del crecimiento son insostenibles. Algunos países desarrollados intentar razonar y paliar su despilfarro, pero los países emergentes, con economías sin escrúpulos, los invaden y colonizan, con más destrucción y más pobreza y desigualdad, gracias al “invento” de la globalización. No parece haber salida.

A estas alturas, desde luego, nos reímos de todo eso. La gente ha aceptado la idea de su propia muerte individual, así que ¿por qué debería perturbar su paz mental la muerte de su civilización? A mí también, como a los demás, debería darme igual todo eso. Coherentemente dejo a los ecologistas la tarea de impulsar proyectos colectivos de decrecimento y de crítica del capitalismo.

Lo único que pretendo es vivir mejor. Me pondré manos a la obra a mi modo: haciendo una lista más. Esta vez la lista será de las cosas que debería hacer para decrecer, ¿la cumpliré?.

- Hacer uso de la lentitud deliberada y liberarse de la velocidad y la prisa.

- Comprar cada día una cosa menos.

- Pasear y charlar con los amigos.

- No coger el coche a menos que sea imprescindible.

- Practicar la siesta.
- Vivir en el campo y, si no puedo, estar más en el campo.
- Aburrirme.
- Defender los tranquilos placeres materiales y sensuales, que proporcionen un goce lento y prolongado.
- Escribir y leer.
- Comprar menos alimentos envasados, menos en plásticos, tetabricks, etc...
- Reciclar toda mi basura.
- No escuchar, leer, ver noticias o novedades, ni en la radio, ni en la tele ni en los periódicos, sino hablar con la gente.
- Crear tiempo libre para la creatividad: música, pintura, artesanía, cocina, jardinería, conversación...
- Trabajar lo menos posible, reduciendo mis necesidades

(Fuente: suplemento “Culturas”. La Vanguardia. Dibujos de Andy Singer. 12/III/2011)

Poesía y humor de Gabriel Orozco, en Londres

 Con un toque negro, que impregna la obra del mexicano Gabriel Orozco, esta ha llegado a la Tate Modern, de Londres.

Orozco es un artista polifacético, que trabaja en distintos soportes, desde la escultura a la fotografía, pasando por la pintura, el dibujo y los llamados "objets trouvés", que él, sin embargo, manipula lúdicamente.

Cuando otros, como Jeff Koons, recurren en sus creaciones al gigantismo y a lo espectacular, las más de las veces simplemente decorativo, Orozco muestra que lo pequeño y lo humilde es hermoso y nos conmueve mucho más.

Lo primero que encuentra el visitante a la exposición, que estará abierta desde el miércoles hasta el 25 de abril, es una foto que muestra el torso, los brazos y las manos de artista imprimiendo sus dedos en una masa de arcilla.

El resultado de ese gesto, titulado "Mis manos son mi corazón" , aparece en una vitrina próxima: un trozo de arcilla con la huella que han dejado sus dedos y con la forma aproximada del músculo cardíaco.

Otro de los objetos más icónicos es una calavera auténtica sobre cuya superficie el artista dibujó con grafito pequeños cuadrados negros como los de un tablero de ajedrez, que se van luego distorsionando y adquiriendo una forma romboidea.

Según cuenta una de las comisarias de la exposición, la española Iria Candela, esa obra es anterior a la famosa calavera tachonada de diamantes del británico Damien Hirst, quien supuestamente se la quiso comprar a Orozco.

Es en cualquier caso como otras de las obras de la exposición, por ejemplo, la titulada "Pelvis" , ejecutada en barro y que muestra esa parte del esqueleto, además del torso, una cabeza y los húmeros; un "memento mori" que Candela relaciona con la influencia del barroco español en la cultura mexicana.

Orozco siente por otro lado una clara fascinación por todo lo que implica movimiento y, así, una de las obras más impactantes de la exposición es un viejo Citroen DS que encontró en un cementerio de coches en París y que seccionó en tres para eliminar la parte central y reconstruirlo de nuevo.

El automóvil adquiere así, no sólo una forma más aerodinámica, sino que, por otro lado, se parece más a un féretro, en lo que podría considerarse una alusión a los muertos en las carreteras.

Otros objetos industriales modificados y convertidos en esculturas son unas bicicletas de Rotterdam a las que eliminó sillines y manillares y que volvió a ensamblar para formar con ellos una original escultura, o el ascensor que sacó de un viejo edificio de Chicago y que también seccionó para acomodarlo a su propia altura.

Muy humorística es la mesa de billar ovalada con tres bolas, dos blancas y una roja colgada del techo a modo de péndulo, con la que el visitante puede jugar utilizando los tacos que encuentra a la entrada de la sala; como poético es el tablero de ajedrez multiplicado por cuatro en el que la única figura es el caballo. Su título: "Caballos corriendo sin fin".

Hay también una escultura cinética consistente en un ventilador de techo con hojas de papel higiénico suspendidas de las aspas que no dejan de girar, obra concebida en una visita a la India por este artista viajero.

Una instalación creada especialmente para la Tate es la titulada "Chicotes" , para la que Orozco reunió restos de neumáticos que se reventaron en las carreteras de México y que siguen oliendo a goma quemada.

Muy representativa de su poesía de lo efímero es la instalación "Linteles" , en la que el artista ha utilizado los materiales residuales de todo tipo -desde trozos de tela hasta pelos- que se quedan en los filtros de las secadoras de las lavanderías, y que el artista ha colgado de cuerdas como si se tratara de ropa puesta a secar.

Para la obra titulada "Dial Tone" , Orozco troceó las páginas de un listín telefónico de Nueva York y pegó los números, unos junto a otros, sin los nombres de las personas a las que correspondían, en un rollo de papel de arroz japonés de diez metros de largo, mientras que en otra ocasión extrajo y reprodujo las frases más significativas de las necrológicas de distintas personas aparecidas en "The New York Times".

Narcoiglesia

 

Obras de la serie La rebelión de los iconos, realizadas con cobijas auténticas de personas asesinadas en Sinaloa. Fotos: Jesús García

¿Lo personal es político? ¿Tendrá sentido contar aquí la temprana orfandad de una madre, la mía, obsesionada con la violencia de su tierra? Antes de responder, permítaseme contar que hace dos semanas se presentó en Ex Teresa Arte Actual “La rebelión de los iconos” exposición de Rosa María Robles, la artista sinaloense que escandalizó a las autoridades de su natal Culiacán, en 2007, a causa de la “Alfombra roja”, pieza compuesta con ocho cobijas ensangrentadas previamente usadas por el crimen organizado para envolver los cuerpos de sus víctimas. Robles no exponía en la Ciudad de México desde hace 20 años, cuando todavía hacía escultura en troncos de madera. Aún así, el jueves 17 de febrero el numeroso público llegó temprano a la Capilla del Señor de la iglesia de Santa Teresa la Antigua, hoy el museo Ex Teresa.

La ahora video-instalacionista y artista del performance presentaría, media hora después, una acción presidida por las copias en gran formato de dos autorretratos fotográficos (los originales son parte de la exposición “Navajas” que aún estaba en el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam de La Habana). Por coincidencia me crucé con Robles en la esquina de Moneda, cuando ella iba a grabar, lo vería después en el video, la ceremonia donde la bandera nacional es tomada en brazos por los soldados. No sabía que hasta las 19:30, en la escalinata del altar, un hombre vestido de negro, con tatuajes y piercings, extraería a la artista 600 mililitros de sangre. El acto no me impresionó, aunque a mi lado una chica se asustaba cada vez que la sangre era depositada en una bolsa transparente de hospital. Hasta entonces —sin haber visto las imágenes donde esta artista, que me interesa mucho, encarna a La Piedad de Miguel Ángel—, su propuesta estética no me había sido suficiente porque la sangre es un lugar común del género del performance. Y también porque la sentí como efectismo.

Cuando Robles caminó entre el público, rumbo a un muro tapado con periódicos, me rezagué detrás del gentío. Atrás quedó una estrecha alfombra blanca que se detenía ante el altar. Me subí a una columna junto con dos adolescentes pero ni así vimos cuando ella depositó su sangre en un cáliz dorado y la untó desordenadamente sobre otro lienzo. Esto que describo lo vi al día siguiente en el video donde se registró la acción, una obra mucho más lograda que el performance, mucho más elocuente y auténtica en su carga dramática gracias, tal vez, a la distancia impuesta por la cámara. Cuando por fin me colé, el lienzo manchado con la sangre de la artista —su protesta porque por ley no puede usar las “auténticas” mantas de los “encobijados”—, ya cubría un taburete alto. Sobre él estaba el cáliz. Inesperadamente alguien dijo: “Ya chole de mole”. Varios reímos discretamente. En el muro había un mensaje hasta cierto punto retórico: “La sangre que de mi cuerpo he vertido pretende poner sobre el altar de esa institución su relación oscura, oculta y a menudo descaradamente abierta con el narco... la narcoiglesia”.

Lo que sí me cimbró, en cambio, fueron las obras situadas en los extremos de la nave: La Piedad y El Ángel de la Independencia, ya mencionadas. Allí se alude al crimen organizado empleando, de nuevo, las cobijas del narcotráfico. Pieza excepcional, la video-instalación de La Piedad es una reinterpretación inteligente y actual de Miguel Ángel. Ahí la artista sostiene en brazos una cobija ensangrentada que semeja un cuerpo en desmayo. A sus pies la proyección de 365 fotografías de cadáveres, de Fernando Brito, premiado por World Press Photo 2011 por una de esas fotos, se convierte en una experiencia dolorosa de este México convulsionado. Pude verlo en las miradas del público. Allí, de hecho, le di el golpe a exposición. Ahí me abismé en el recuerdo de mi madre obsesionada con su padre asesinado. ¿Lo personal es político? ¿Tiene sentido que narre la temprana orfandad de una madre, la mía, abrumada por la violencia en su Culiacán amado? Lo sabré en otro momento, en otra crónica mucho más extensa. Ahora sólo queda decir que volví a Ex Teresa dos veces más. Una persona compasiva, encarnada por la artista pero también por mí, había sentido piedad, sin saberlo, por aquella niñita huérfana que fue mi madre en los años cuarenta. (Milenio)

El arte contemporáneo es una tiranía mediocre: Lésper

En esta entrevista, la crítica de arte Avelina Lésper habla acerca de los trasfondos sociales de la corriente.

Guadalajara.- Hace un par de días, presentamos la visión de Patrick Charpenel, un tapatío mecenas y promotor del arte contemporáneo en donde afirma que esta expresión es incluyente y crítica. Aquí, le ofrecemos una entrevista con Avelina Lésper, una crítica que diverge de ello.

¿Cómo percibes el arte contemporáneo?
Creo que es una corriente que ha venido a dañar muchísimo la manera en que percibimos el arte y lo que vemos en los museos. Fomenta un relativismo según el cuál todo es arte y todos pueden ser artistas, con el simple hecho de construir un discurso que medianamente sustente un planteamiento cualquiera. Es una especie de tiranía, en donde el arte es lo que un grupo decide que lo es.

¿Por qué es una expresión tiránica?
Porque es una imposición que deben acatar los demás. Se trata de artistas privilegiados y ociosos que cuentan con el apoyo del mercado y de las instituciones para ejercer un poder en donde no cabe la actitud crítica de quienes observan. Por eso es tiránico y además es mediocre por lo simplista del mensaje.

¿Ves al arte contemporáneo como un arte para todos, con críticas al estatus quo en que vivimos?
Por supuesto que no lo es. Es un discurso infantil, con nivel de secundaria en donde las críticas son totalmente superficiales y simplistas. Si hubiera una trasgresión real al orden político y social, entonces no podríamos explicarnos que sea este mismo aparato el más apoya y fomenta estas expresiones. Sus críticas son berrinches infantiles y ante eso, la oligarquía que marca los pasos de la sociedad está muy cómoda. Por eso, gustosos, invierten dinero en ello, porque les sirve para evadir impuestos y para legitimarse socialmente.

¿Qué futuro le ves al arte contemporáneo?
Es una moda de élite en donde se exalta el consumismo y se pagan cantidades exorbitantes de dinero en donde el que compra vale lo que gasta. Para ellos, ‘si no te gusta, es porque no entiendes, no tienes el bagaje necesario’ Yo invito a al público a que exprese sin miedo su opinión. En la medida en que quitemos este yugo y digamos qué no nos comunica y por qué, será como podamos ir evolucionando. Ha hecho un grave daño a las instituciones, pero es una moda que pasará de largo. (Milenio)

NARANJADA CON AGUA DE MAR (ARTE DIGITAL EN: md22artemultidisciplina.blogspot.com/) FEBRERO 22/II/2011

A LA MUELA: GRACIAS POR SUS COMENTS, F.A.C.

Fernando Andrade Cancino

La Muela

Por Servando Gamma

Difícil de entender los movimientos que ha estado haciendo desde su llegada la directora del Instituto de Cultura del Estado (ICED), por una parte, renuncia a varias personas que considera no hacen falta en el instituto, aunque a decir de todos los consultados, si eran necesarios, a otros los congela, como es el caso de la encargada de las compras, la señora Palencia, a quién sus compañeros y compañeras le llaman de cariño: “Teté”, quién con toda diligencia hacía su trabajo callada y eficientemente, sin motivo alguno el contador Tinoco (ahora lo conocen como el “miniverdugo Tinoco, ya que Corín ahí lo llevó para “ajusticiar” a algunos y no tener ella que dar la cara y seguir cargando su imagen de buena gente), ahora la tienen sin hacer nada, esperando a ver qué se les ocurre o bien darle su liquidación, que por los años laborados sería buen dinerito y ahí es donde está el detalle, no quieren pagar. Así como este caso hay otros similares y la explicación quizá sería quitar a este para meter a esta, sin embargo, las oficinas del ICED se siguen llenando de gente que llega a hacer lo que ya se está haciendo o peor, a no hacer nada, como es el caso, otra vez, del contador Tinoco, quién después de haber estado en la oficina más importante después de la dirección general, la de la administración del dinero, a la llegada de la contadora Verónica Karina Pérez García, enviada del gobierno del estado, primer golpe para Corín ya que no pudo sostener a su contador estrella el “miniverdugo” Tinoco, que fue a dar al “tiradero”, así le dicen al departamento de Vinculación en donde despacha Víctor “El Bigotes” Martínez, otro descubrimiento de la directora y cantante; ahora Tinoco parece fantasma en la casona de narco donde se encuentra el ICED, sin empacho, anda deambulando por todos los departamentos sin oficio ni beneficio cargando su mala fama, todos lo ven con desconfianza sabiendo que es gente muy cercana a la dirección. Otros cambios son la llegada de más gente, el gordito llavero Miguel Ángel Ortiz, como secretario particular, del cual ya hemos hablado en anteriores ocasiones en esta columna, además de él, hay otras personas que tienen el mismo cargo: “secretarias particulares”, entre las que se cuenta a una sobrina de Corín. El arribo del ingeniero Enrique Escajeda, también enviado del gobierno del estado, yo diría que desde muy arriba, solo ha servido para incomodar a la directora quién pensaba (ilusa) que iba a manejarse a sus anchas, resulta que estas personas enviadas por el gobierno del estado son, por decirlo de alguna manera, los ojos y los oídos del contador Jorge Herrera Caldera, a quién le interesa mucho que las instituciones marchen bien y que los dineros se administren adecuadamente, que nadie se despache con la cuchara grande, como ya sucedió en el pasado inmediato, que los recursos humanos cumplan con su cometido y aquí es donde surgen las preguntas: ¿Qué llegó a hacer tanta gente si ya el ICED estaba caminando si no de manera excelente si de manera óptima?, ¿Por qué duplicar funciones si se dice que no hay dinero?, ¿acaso los nuevos lo están haciendo gratis? y ¿por qué la directora no delega funciones?, ¿acaso le teme a algo o a alguien? Por más que han hecho todo por minimizar las tareas de Escajeda y de no darle su lugar como lo que es: subdirector del ICED, lo tienen haciendo cosas inicuas con objetivos imprecisos y hasta aberrantes, nada que ver con las verdaderas soluciones a tanto problema que el ICED enfrenta, sobre todo en sus instituciones que son el sustento del mismo, la más reciente adquisición de Corín, ¿o también se la mandaron del gobierno del estado?, es la comunicadora Lorena Portillo Rojas, quién llega como jefa del departamento de Comunicación Social, el cual ni existía ya que dicha tarea se realizaba con bastante eficiencia por la gente al mando de Víctor Hugo Galván y que era Lily de la Cruz, quién hacía esa labor, también con diligencia y eficacia, como podemos darnos cuenta, hay muchas cosas que no cuadran en el ICED, sobre todo cuando se dice que no hay dinero para la actividad cultural y los trabajadores del instituto no se explican cómo es que ha entrado nuevo personal y si como dicen, con sueldos de 30 mil pesos como el de Tinoco, nunca va a haber dinero suficiente para sostener el paso en la actividad cultural, de hecho, hace mucho que ni paso hay, lo último que pudimos ver fue algo en el pasado festival Revueltas y eso que el 90% ya lo había dejado arreglado El Churumbel. Para Ripley.
¿Es la que sigue meciendo la cuna? En lo que respecta al nuevo Museo de la Ciudad, que dicen será inaugurado a finales del mes de febrero, como sabemos, la señora Pilar Rincón, inició metiendo su cuchara en la obra de restauración… ¿o es remodelación? De la que fuera la casa del rico minero Pedro Escárzaga, cuando ella despachaba en la oficina de turismo municipal. Ya en esta nueva gestión del gobierno estatal, al no poder acomodarse en la Secretaría de Turismo del Estado, que es donde ella quería, de perdis logró le dieran la administración del flamante edificio que antes fuera el ICED y antes, la escuela-internado “Juana Villalobos”, ahora en ese pequeño feudo la inquieta Pilar quisiera seguir metiendo la mano en otras partes. Por los periódicos nos enteramos que anda acompañando al secretario de Turismo estatal, en su viaje por España, aunque no sabemos cuál sea realmente su función en ese viaje, intuiremos que es para traer españoles a Durango, para que hagan convenciones y de esa manera ella tener trabajo porque hasta ahora el magnífico espacio solamente se ha ocupado para hacer reuniones del gobierno del estado o para reuniones políticas. Volviendo al museo de la ciudad, señalamos que en mala hora se les ocurrió poner un elevador junto al mural del insigne pintor y escultor don Francisco Montoya de la Cruz, mismo que se encuentra en el cubo de la escalera principal del edificio, nada más inadecuado ya que tapa prácticamente a dicho mural y no permite apreciarlo en toda su magnitud, un error garrafal que hasta ahora pocos han apreciado, de hecho ningún medio lo ha comentado, lo mismo nos extraña que al arquitecto Aurelio Martínez, quién trae dicha obra, se le haya pasado por alto este error que viene a ensombrecer la restauración del edificio, algunos comentan que Pilar Rincón se amachó de esta adición, siguiendo el cuento de que no se hacía en el segundo patio, hoy espacio de estacionamiento, porque ahí estaba una palma Washingtona, que a decir del exgobernador Ismael Hernández, dicha planta había sido la única sobreviviente que quedaba de las originales llegadas a Durango a finales del siglo antepasado y que por eso se había escogido el cubo de la escalera para poner el elevador, se lo cuento como me lo contaron, bueno y a todo esto, la gente se pregunta: ¿Y el INAH, donde quedó? y nosotros contestamos: si se dio cuenta, ni caso hizo ya que esto no representa para su director ninguna entrada adicional de dinero… tal parece que para Pilar, el estar metida en su nueva encomienda le representa estar fuera de los reflectores que tanto le gustan, es por eso que ahora anda poniendo gorro al nuevo secretario de turismo al que tarde o temprano cansará.
Puede haber muchos, pero pocos realmente que se lo merezcan. Si realmente los jurados convocados por el ICED, para tomar la decisión cada año de nombrar el premio a la trayectoria cultural o emérito a ese reconocimiento que además contiene un cheque por cien mil pesos, lo que lo hace mucho más interesante ya que no únicamente es el reconocimiento social el que se hace. El ICED, en las diferentes ediciones de este premio, se ha ido por reconocer el mérito cultural a personas que ya gozan de alguna forma de él por su reconocida trayectoria sin ningún interés más que el de llevar el nombre de Durango a otros ámbitos culturales y artísticos, durante muchos años, como puede ser el caso de los hermanos Salas Ceniceros, que ya lo recibieron, sin embargo, no deja de levantar suspicacias entre la comunidad y eso es hasta cierto punto muy natural dado que la comunidad siempre se comporta de esa manera por existir muchos puntos de referencia. Al parecer se presenta una terna y de ahí sale el premiado. Esta última vez conocimos el caso de la autopropuesta, cosa que no se había dado, dicho caso fue el del arquitecto Fernando Andrade Cancino, que si yo hubiera estado de jurado, no lo había pensado dos veces para otorgárselo, sin embargo, ni fui jurado ni lo seré y las cosas son de otra manera. ¿Por qué hubiera tomado esa decisión?, nada más porque en Durango, en este momento no hay otra persona que tenga la trayectoria que Fernando tiene, sobre todo su papel como funcionario de cultura y no me refiero únicamente a su desempeño en la subdirección del ICED, donde demostró las tablas y sensibilidad que se requieren tener para ocupar dicho cargo, casi podríamos decir que su paso por el ICED dejó onda huella en la remodelación del teatro Victoria, la Fonoteca, el museo de Culturas Populares, la Casa de la Cultura de Mapimí y la de Durango, todo con las famosas mezclas de Conaculta y gobierno estatal, una obra editorial abundante y bien seleccionada que se realizó durante este tiempo. Lo anterior pues habla solamente de este periodo, pero Fernando Andrade, tiene mucho más, sobre todo sus años en Bellas Artes en la ciudad de México, en donde como funcionario hizo un papel importante durante el tiempo que ahí sirvió, en fin, podríamos hacer una larga lista de sus méritos en pro de la cultura, como artista plástico y como crítico en artes plásticas creo que también hay mucho que decir, desafortunadamente estamos en Durango, único lugar en donde el hombre como carne de hombre, en donde no podemos perdonar el éxito ajeno y mucho menos podemos despojarnos de los prejuicios hacia la vida ajena. Algún día será.
lamuelaperiodismo@hotmail.com es el correo para que Usted amable lector de esta columna semanal, entre en contacto con su servidor y me haga saber su opinión de los temas que aquí se abordan cada semana o bien si así lo desea, coménteme ampliamente algún señalamiento que desee se haga en este espacio. Durango, Dgo.-Enero 30